Mickey 17 : La nouvelle satire futuriste de Bong Joon Ho

En termes simplistes, la saga satirique de science-fiction de Bong Joon Ho, Mickey 17, combine ses deux autres films en anglais, fusionnant le cadre glacial de son drame d'action post-apocalyptique Snowpiercer avec la sentimentalité envers les animaux de sa fable sur l'industrie alimentaire Okja. Le nouveau film, dans lequel Robert Pattinson incarne plusieurs versions excentriques du même ouvrier jetable, est la suite très attendue de Bong après son comédie noire Parasite, lauréat de l'Oscar du meilleur film.

Bien que Mickey 17 soit adapté du roman de 2022 de Edward Ashton, Mickey7, la version d'Ashton est une histoire de science-fiction beaucoup plus directe que celle de Bong. Entre les mains du virtuose coréen, cette histoire se déroule comme une extension de presque tous les thèmes et approches visuelles qu'il a utilisés tout au long de sa carrière.

Les Pouvoirs en Place sont Ridicules

On peut raisonnablement établir des distinctions stylistiques entre le cinéma en coréen de Bong et ses projets en anglais, qui concernent souvent la manière dont il encadre les structures de pouvoir occidentales et les personnages qui les représentent. Bien que Snowpiercer soit une production coréenne, le film — adapté de la bande dessinée française Le Transperceneige — présente une locomotive en marche comme métaphore de la classe et du capitalisme, mais dépeint les conservateurs de ce système comme des méchants dont l'apparence cartoonesque révèle rapidement un côté plus sombre.

La plus mémorable d'entre eux est Tilda Swinton dans le rôle de Margaret Thatcher, la ministre Mason. Ses lunettes écarquillées et ses facettes proéminentes lui donnent une apparence presque extraterrestre alors qu'elle maintient les classes inférieures du train en ligne par la violence et la cruauté, comme faire amputer les membres des dissidents avec des marteaux. L'idéologie vicieuse et les excentricités de Mason se reflètent également dans les figures clés d'Okja, la production Netflix de Bong sur un super-cochon adorable élevé pour sa viande.

D'une part, la méchante d'Okja de Swinton, Lucy Mirando, est une PDG puissante dont l'éclat brillant, les tailleurs-pantalons blancs et la façade souriante reflètent une façade corporative accueillante qui dissimule quelque chose de plus sombre. (Bien que à peine.) D'autre part, Jake Gyllenhaal dans le rôle du présentateur télévisé zany et coké, Johnny Wilcox, dont les efforts s'alignent avec ceux de Mirando, fonctionne comme une sorte de machine de propagande, hurlant depuis les toits (ou les écrans de télévision) sur l'efficacité de son nouveau produit : une créature adorable génétiquement modifiée pour être une source de nourriture.

Cadrages de Mensonges vs. Cadrages de Vérité

Mais l'apparence large et les idéologies rances de ces méchants ne sont pas leurs seules qualités distinctives dans le cinéma de Bong. Ce qui rend ses caricatures exagérées des leaders modernes particulièrement percutantes en tant que commentaire — à la fois sur les figures réelles du monde réel et sur le flux et le reflux de la politique moderne — est la manière directe dont ils s'expriment et la nudité de leurs messages. Dans Mickey 17, Bong communique cette franchise de messagerie en partie via des gros plans de face des héros, des méchants et des anti-héros.

Cela peut sembler une approche dramatique évidente, mais les films de Bong ont longtemps existé dans un tir à la corde entre révéler les vrais moi des personnages et les cacher, en grande partie basé sur la manière dont ils sont encadrés visuellement. Bong a longtemps joué avec la question de la vérité et comment elle est maniée par les puissants et les impuissants, une question à laquelle il répond en révélant et en obscurcissant les visages humains.

Son thriller policier de 2003 Memories of Murder et son drame mystérieux de 2009 Mother traitent tous deux des incertitudes que le public est forcé de démêler avant d'arriver à des conclusions incertaines, s'ils en arrivent à une. Au cours de ces films, Bong déguise les vérités émotionnelles par des cadrages obliques, capturant protagonistes et antagonistes dans des plans approchant le profil, obscurcissant leurs visages — et par conséquent, leurs intentions. Le public reste incertain sur ce que ces personnes veulent ou ce que leurs mots signifient, jusqu'à des moments clés où les personnages se tournent pratiquement vers la caméra pour être capturés de face, révélant des aperçus de vulnérabilité brute — ou quelque chose de plus perturbant.

L'Héritage de la Satire Politique

Par exemple, tout au long de la majeure partie de Snowpiercer, le protagoniste Curtis Everett (Chris Evans) mène sa poussée révolutionnaire à travers les nombreux wagons opulents du train en chargeant vers l'avant. Pour suivre la géographie et l'élan de cette révolution linéaire, Bong filme la plupart de ses actions de profil alors que les héros se déplacent de gauche à droite, comme dans un jeu vidéo à défilement latéral. Cela a l'effet secondaire de transformer Everett en symbole d'abord et en personne ensuite — un peu comme son rôle de MCU en tant que Captain America — puisque nous voyons sa forme physique plus que nous voyons son visage. Cette approche s'intègre dans le twist final du film, vis-à-vis des véritables circonstances entourant la révolte d'Everett et sa position de leader.

Cependant, en obscurcissant Everett, Bong ne donne jamais vraiment au public une fenêtre distincte sur son humanité — jusqu'à un moment clé de confession, filmé en gros plan, au cours duquel il révèle des vérités dérangeantes sur les choses qu'il a faites pour survivre. Bong rend ces changements de cadrage hantants dans ses films, en raison de la parcimonie avec laquelle ils emploient les gros plans. Parasite, en revanche, se lit comme satirique et ironique, même s'il est rempli de gros plans, car aussi dupliciteuses que puissent être ses personnages de domestiques pauvres, il y a toujours un sens que leurs motifs sont à peine dissimulés.

Suivre l'Argent et la Manie

On ne peut discuter de l'œuvre de Bong sans aborder la manière dont il traite les mécanismes (et les retombées) des structures capitalistes rigides. Après tout, ces critiques économiques se trouvent au cœur de sa satire politique. L'avidité et la subjugation se trouvent au cœur des méchants comme Mason, Wilcox et Marshall. Et ils sont le carburant des nombreuses métaphores structurelles et de science-fiction tout au long de la carrière de Bong. Cette dynamique s'étend de la structure arrière-voiture-avant-voiture de Snowpiercer au drame en haut-en bas de Parasite à la question de qui est le plus affecté par le monstre mutant dans son film de créature de 2006 The Host — un autre film dans lequel le spectre du pouvoir américain plane.

Cependant, l'aspect du cinéma de Bong qui empêche le plus son travail de tomber dans un sermon routinier est que ses messages sont rarement transmis par le dialogue. Le plus souvent, le mouvement des corps humains est l'outil le plus efficace pour raconter ses histoires. Vous pourriez regarder n'importe lequel de ses films en muet et toujours capter le chaos propulsif de la forme humaine en mouvement (disons, les scènes de poursuite dans The Host et Okja), qui n'est pas seulement utilisé pour faire la transition des séquences d'un endroit à un autre. Les gesticulations sauvages, les mouvements désordonnés et les personnes se bousculant dans une ruée folle sont au centre de l'attention de la caméra, et sont pratiquement devenus une marque de fabrique pour Bong.

L'Impact de l'Industrie et les Implications Futures

Qu'il s'agisse des masses entassées se renversant les unes sur les autres à mi-course, comme la famille Kim dans Parasite, ou composées de figurants anonymes, elles ont un sens distinct de vie et de but. C'est peut-être l'antithèse ultime aux méchants distincts et individualistes que Bong crée. Dans Mickey 17, une débandade éclate lors d'un rassemblement politique. Les gens se renversent les uns sur les autres dans une course folle, tandis que les forces de sécurité de la colonie sprintent pour protéger leur leader. Toute la scène souligne la séparation entre les oligarques du film et leurs subalternes jetables. Le film exprime à quel point les travailleurs sont sous-évalués dans les systèmes capitalistes, au point où leurs morts deviennent acceptables.

Mais simplement mettre en avant ce point de vue dans l'abstrait n'est pas suffisant pour le style incisif et exigeant de divertissement idéologiquement parfumé de Bong. Tout comme dans Parasite, les contrepoints se jouent de manière auto-évidente, avec la question de « Qui sont les membres les plus sous-évalués de la société ? » répondue non par une déclaration didactique, mais par une autre question : « Quelle classe est la plus valorisée à la place ? » La forme que prend cette réponse implique des parodies exagérées des riches et des puissants, dont l'idiotie oblivieuse va de pair avec une intention destructrice — le genre que leur position leur permet de réaliser, et leur permet de déclarer explicitement, sans crainte ni conséquence. Rendre cette sorte de caricature comme alternative à la dignité humaine de ceux qui se trouvent sur les échelons les plus bas de l'échelle sociale est la manière dont Bong rend ses films non seulement amusants, mais politiquement stimulants.

Cela peut rarement être dit de la plupart des films hollywoodiens grand public, surtout à une époque où les studios cherchent de plus en plus à apaiser politiquement ceux qui sont au gouvernement en retirant des pièces de puzzle spécifiques (par exemple, des intrigues transgenres ou des thèmes environnementaux) qui pourraient contrarier les pouvoirs en place — comme si ces sous-intrigues étaient conçues avec cette éventualité à l'esprit. Bong, en revanche, tisse sa critique politique dans la trame même de ses films, de ses histoires et conceptions de personnages, jusqu'à la manière dont les gens se déplacent à travers l'écran. Dans tout son travail, divertir et dire la vérité au pouvoir sont si inséparables qu'ils pourraient aussi bien être une seule et même chose.